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| 編輯推薦： |
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| 內容簡介： |
《哥特式艺术》系统梳理了哥特式艺术在绘画、祭坛画、雕塑、建筑以及插画等多个领域的演变历程和杰出成就，并特别关注了意大利、比利时与荷兰、法国、英国等地的代表性作品及其对整个欧洲文化发展的影响。
书中首先介绍了哥特式绘画的发展，强调了乔托等艺术家如何突破教会限制，在叙事性绘画上展现人性情感与生动的人物形象，如其在帕多瓦斯科洛文尼礼拜堂创作的圣母与耶稣生活场景系列壁画，标志着意大利哥特式绘画的成熟。
接着探讨了比利时与荷兰地区的哥特式绘画，重点讲述了凡·艾克兄弟的贡献，尤其是扬·凡·艾克在油画技术上的革新，他发明了一种使用白漆与油混合的颜料配方，使得画面色彩明亮且持久不褪，这一创新极大地推动了15世纪绘画艺术的进步，也使他们成为尼德兰绘画的奠基人。
此外，《哥特式插画》章节详细阐述了手抄本插画作为中世纪贵族及知识阶层专享的艺术形式，它融合了多种艺术元素，从玻璃彩窗、雕塑到纺织、釉瓷等工艺美术，插画师们不仅追求精致装饰与叙事功能，而且通过为文字配图展示了当时社会习俗与思想观念。法国插画尤其以精巧线条与细腻色调闻名，而地中海周边地区形成了独特的插画风格，如西班牙加泰罗尼亚的作品表现出温暖的色彩和阿拉伯图案特征。
哥特式彩绘玻璃窗部分则揭示了这种艺术形式在教堂建筑中的重要地位，相较于罗马式的单一人物表现，哥特式窗户运用复杂的构图和丰富色彩，构建出一种光影交织、寓意深远的视觉效果。
关于雕塑与建筑方面，《哥特式艺术》同样给予了详尽解读，从法国、意大利等地的哥特式雕塑特点出发，分析了它们如何将复杂的空间结构与精细的细节刻画相结合；而在建筑领域，描绘了包括法国莱昂大教堂、帕尔马德马略卡的圣玛利亚大教堂等在内的众多经典哥特式建筑案例，展现了该时期建筑空间的扩展、结构技术的革新以及装饰风格的独特魅力。
总之，《哥特式艺术》一书通过深入浅出的文字叙述和丰富的实例展示，全面勾勒出了哥特式艺术从绘画到建筑各方面的辉煌历史，揭示了这一艺术风格如何跨越地域界限，深刻影响了欧洲乃至世界艺术的发展进程。本书作为一本普及读物，可以使读者快速掌握和了解哥特式艺术的精华，本书适用于想要了解哥特式艺术的读者。
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| 關於作者： |
原著作者：维多利亚?查尔斯
维多利亚?查尔斯是艺术史专业的教授。她出版了许多作品，并定期为当代国际艺术杂志《艺术信息》撰稿。维多利亚·查尔斯经常为专业期刊和杂志撰稿。最近，她与人合作出版了一部名为《世界艺术史》的作品。
译者：文雅
文雅，法语语言文学博士，四川外国语大学法语学院教授，硕士生导师，法语学院研究生教研室主任。主要从事法国文学研究以及中西诗学比较研究。出版专著《波德莱尔与中国新诗》（法国阿玛丹出版社），译著《拉斐尔前派：反叛与唯美，梦幻与真实》，语法书《法语语法考点全攻略》。在国内外学术期刊上共发表论文近二十篇，其中一篇被中国人民大学书报资料中心“复印报刊”《外国文学研究》全文转载。曾获学校科研成果二等奖、三等奖，重庆市翻译协会优秀成果三等奖。任全国法国文学研究会常务理事、四川外国语大学学术委员会委员、外语类核心期刊《外国语文》编委、学术论文集《世界法语区发展研究》副主编。负责川外国语大学法语学院“理解当代中国、沟通法语世界”国际学术论坛的组织工作。
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| 目錄：
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7 一、哥特式绘画
11 二、祭坛画与神龛
19 三、意大利哥特式绘画
23 四、比利时与荷兰哥特式绘画
26 五、哥特式插画
33 六、哥特式彩绘玻璃窗
37 七、哥特式雕塑
39 八、法国的哥特式雕塑
44 九、意大利的哥特式雕塑
49 十、哥特式建筑
54 十一、法国的哥特式建筑
63 十二、英国的哥特式建筑
68 十三、哥特式民用建筑
70 十四、德国的哥特式建筑
75 十五、意大利的哥特式建筑
83 十六、西班牙的哥特式建筑
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| 內容試閱：
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哥特式风格起源于法国，之后风靡整个欧洲，尤其是德国、意大利和荷兰。晚期哥特式的复杂风格充分体现在当时用于保存圣物的神龛装饰上，这些神龛经过雕刻家的精雕细琢，华美精致。
提到哥特式风格，我们便会将之与建筑、音乐、文学甚至是哲学联系起来，因为它们无一例外都关乎精神和神性的追求。我们也常常将哥特式风格与绘画联系在一起，哪怕它的灵感往往只是来源于宗教主题。罗马时期，建筑物的
墙面总是装饰着尺幅巨大的壁画，而哥特时期，因为墙面狭小，很少有这类装饰画。因此，哥特式绘画往往尺幅偏小，
甚至是迷你画作。
由于当时宫廷和教会掌控财政话语权，积极支持将木板作为屏风式祭坛画的主要载体，因此，这种材质在14世纪中叶开始流行起来。祭坛画被制作成可折叠的，主要以双屏或者三屏为主，三屏以上的则较为罕见。这些祭坛画的尺寸有大有小，甚至还有专门为方便旅行携带而创作的微型祭坛画，材质通常是木头或象牙。
盛装圣物的神龛在那个时期的宗教发展中起着至关重要的作用，神龛的流行促进了祭坛画的发展。这些圣物最初只是放进普通的盒子里，后来人们开始用一些贵重金属装饰这些盒子。最后，人们用大量的昂贵宝石对其进行繁复的雕琢，直到把它们点缀成一座微型教堂的样子。在哥特时代，这些神龛都是木质的，并且配有祭坛画。最好的例子就是汉斯·梅姆林于1489年完成的《圣乌尔苏拉遗物匣》。这些神龛只在宗教节日对外开放，向信徒展示圣物，工作日则对外开放。祭坛画的两面都装饰有圣经故事图案。最著名的祭坛画要属扬·凡·艾克和胡伯特·凡·艾克在1432 年创作的三联祭坛画《神秘的羔羊》。
人们常常认为这个时期的作品是很原始的，主要是因为绘面的内容和表现手法所致，而不在于其本身的艺术品质。尽管当时很多画的确显得过于花哨和笨拙，但人们更关注的是它们的历史价值而非其艺术价值。这些圣经主题画表现的通常是末日审判、受难殉道的场景，画面十分写实，以至于人们甚至认为在那个时代这些场景会天天上演。在那样一个充斥着强盗骑士、宗教裁判和对异教徒各种迫害的纷争时代，教会自然会试图用这些直观的图像来威慑那些大字不识的信徒，声称他们只能期盼得到神的救赎。
与这些受难殉道或地狱之火的场景相反，汉斯·梅姆林、马丁·施恩戈尔和罗吉尔·范德韦登则描绘了充满慈爱的圣母形象。在后来的文艺复兴时期，画家们更青睐于表现圣母人性的一面，而不是她神性的一面，这种变化对画作的品质并没有什么影响，但却导致了风格上的一些变化。汉斯·梅姆林、马丁·施恩戈尔和罗吉尔·范德韦登的画作具有巨大的艺术价值，他们的精湛技艺常常让我们惊叹不已，在油画发展的初期，他们竟然能创作出这样的作品。
在那个时代，无论是艺术家还是画家都不太喜欢世俗画。而静物画、风景画和表现日常生活的画作也不为公众所青睐，就连肖像画也只是用铅笔绘制而成。对世俗画的逐渐接受源自当时取悦教士的风气，他们经常收到富有的资产阶级赠送的风俗画。这些富人让画家把自己的肖像绘入其中，希望被后代永远记住。因此，我们经常可以在这些画里看到市政议员或市长，甚至是在人群中跪着祈祷的富商和他们的妻子。
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