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| 編輯推薦： |
《人人都是影像生活家》是一部摄影书，也是一场当代摄影学习的革命读本，它包含了层次丰富的学习结构：
一、此书是人人都是影像生活家社会公共课题的开篇，作者小米老师融汇了东西方美学与文化知识，通过绘摄影课堂三感（影像感、陌生感、画面感），解析了当代摄影学习的核心。
二、书中，小米老师抛弃了纯粹的时间顺序，从档案记录、美学发展、艺术变迁中，重新梳理了摄影小史，带领大家快速了解摄影发展到当下的历程，思考当代摄影的阶段性特点，由此突破摄影学习的瓶颈。
三、此书将给平淡的摄影生活来一场洗脑式的改变，可说是中央美院精品课程的简本。书中不仅点出了小米老师六年来在央美、鲁美等课堂中的精品课学习案例，而且引用了丰富的工作坊学习案例，给大家提供了个性化的摄影学习方案。同时，引经据典，多维度地提出用心、静心地感受生活，决定了普通人都将成为摄影美学家的重要性。
此书的理念在落成前，小米老师先后走访了纽约大学摄影系、ICP（国际摄影中心），同时与国内的艺术家、先锋设计师、批评家、知名策展人、行业协会、美院教授、资深摄影爱好者等不同领域人士，从艺术、社会、文化、生活等方方面面深入剖析了每个人对影像与生活的认知
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| 內容簡介： |
《人人都是影像生活家》是一本观念新颖的摄影学习读物，旨在以绘摄影课堂三感（影像感、陌生感、画面感）入手，学会把万事万物、情感、复杂的光线转化为和谐的韵律和丰富的影调，提高处理画面的能力。书中贴心准备了鲁美、中央美院的精品课学习案例、工作坊学习案例，给大家提供个性化的摄影学习方案，给平淡的摄影生活来一场洗脑式的改变。
摄影4.0时代开启，艺术和生活发生前所未有的密切交流与对话，摄影日益贴近每一个人。从今天、从这里开始，让我们跟着小米老师，学会在生活中发现美、享受美、创造美，成为自己的影像生活家。
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| 關於作者： |
米玉明（小米老师）：
当代影像艺术家，任教于中央美术学院、鲁迅美术学院、中国摄影家协会（北京函授学院）等。近年来致力于当代影像艺术创作和绘摄影课堂的实验教学，潜心人人都是影像生活家新女性等社会课题研究。
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| 目錄：
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Contents
名家观点和小米老师的说说 002
秘籍解析绘摄影课堂三感
第一问：当代如何学摄影，是否有一套秘籍？ 020
023 第一答：影像感的理解和掌握，是进入摄影画面探索的重要途径
影像感的经典之一：再读韦斯顿及其家族后代们的影像启示 024
影像感的经典之二：回味亚当斯留给摄影界的遗产与启示 029
影像感的经典之三：从经典肖像中品味影像感 042
绘摄影时代的影像感探索 046
047 第二答 ： 陌生感是思考摄影、进入创作的重要手段
陌生感 的经典之一：杉本博司：摄影在我之后终结 052
陌生感 的经典之二：辛迪舍曼：世界出自我的扮演！ 054
当代陌生感探索：大美术时代，玩摄影、绘摄影 056
069 第三答：画面感的理解和掌握，是读懂大美术时代的重要前提
画面感的理解之一：把世界看作形态、线条、质地、明暗、颜色、用光和立体空间的结合体 072
画面感 的理解之二：用平面构成与形式之美驾驭画面 075
画面感 的理解之三：用色彩构筑熟悉而陌生的影像世界 078
087 第四答：摄影自诞生起，与绘画和世界发生的关系
摄影的1.0时代模仿与延续 087
摄影的2.0时代摄影的本体探索 092
摄影的3.0时代在近现代艺术之间的突破与融合 095
摄影4.0开启的时代当下、未来，人人都是影像生活家？！ 104
超越摄影小米老师和同学们的绘摄影，绘生活
第二问 ： 摄影都要终结了，小米老师和她的学生们怎么玩？ 120
121 第一答：分享给进阶的影友们小米老师的采访摘录
135 第二答 ：学生们给予我的 绘摄影思考幸好没有摄影基础
案例一：中央美术学院大一课程城市亲历与创想城市 136
案例二：鲁迅美术学院大三课程一场解构、破坏的嬉戏 152
摄影4.0时代开启，人人如何成为影像生活家？
第三问：人人如何成为影像生活家？ 162
163 第一答：看看名家们怎么聊摄影
172 第二答：当下、未来，人人都是影像生活家
213 第三答：绘摄影，可以轻松、任性地入门
绘摄影入门第一课：感知影像中的世界 214
绘摄影入门第二课：忘掉构图法则，才能绘摄影 228
绘摄影入门第三课：爱，比技巧更重要 237
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| 內容試閱：
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第三答 ： 画面感的理解和掌握，是读懂大美术时代的重要前提
A3
为什么很多美丽的风景拍摄不出来？
当代摄影中的画面感是怎么形成的？
近一个多世纪以来，点、线、面的构成规律构筑了西方世界的视觉世界，也无处不在地体现在商业大发展时代，视觉传达也是我国在艺术院校为设计专业开设的基础课程。（我国对设计基础学科的引进不超过30年，意味着我国只有极少数学习了设计基础的专业学生，并且这些学生中只有极个别的从事了摄影行业。） 当然，设计基础不是学摄影唯一的途径，但是在当代社会中，却是一个理解和吸收当代视觉现象、领悟摄影画面感的快捷途径。
构成主义学科构成了观看、塑造近代视界发展的思维习惯，即繁华世界的面貌不止局限于自然事物本身的形态，而是经过再创造后重新解读视觉世界的关系。这个世界正在继续以平面的图形构成，以立体的再造关系形成，以色彩的方式重新谱写世界的视觉主体，共同孕育现代社会的文明与和谐之美，形成当代视界的景观。尤其在互联网时代，世界大同的生态越发趋同了。
在以往的摄影学习中，构图一词熟知而常见，似乎摄影的表现离不开构图，就像写文章离不开结构、层次和章法一样，它决定着作品的风格和表达。但是，简单的构图法则却让美丽的自然景观、真实的现代风景在摄影画面中趋同了，甚至僵化了。（如果当下的时代可以被称为绘摄影时代）那么绘摄影时代
的构图法则则是凌驾于传统构图技法之上的另一种创作当摄影者的头脑被一种真实的情感意象所吸引、占有，有能力把它保留在那里，并可以主观选择视觉形态时，脑洞中会自觉创造出合适的构图。而此构图不一定是属于哪个构图法则，其秘诀是具有丰富视觉素养和储备的摄影师，具有主动、主观
处理画面感的能力！
特别提示：现代世界的吃、穿、住、行！
工业大生产后的学科体系源自德国著名的包豪斯学院，也是当今美术学院里学科设置的基础，为近代国内乃至世界范围内的创意人筑牢根基。康定斯基是包豪斯学院最有影响力的成员之一，这不仅因为他是一位伟大的艺术家、现代抽象艺术的先驱、带来俄国抽象艺术革命第一手知识的有才能的教师，还因为他能够有系统、清楚而准确地表达他的视觉和理论概念。1926年，他把他的构图课程以《点、线到面》一书出版。康定斯基的这本书，想给艺术作品的要素和它们之间的关系，下一个比较绝对的定义
本雅明曾认为，工业时代的到来，使摄影术发明早期的肖像照片里散发的古典神圣的光晕消失殆尽。而从一些当代的视觉、影像等艺术家的作品看来，这些神圣光环似乎换个方式也得以再现。对康定斯基来说，三角形有其特殊的精神芳香，一个圆圈上的三角形的锐角的冲力所产生的效果，并不比米开朗琪
罗绘画中上帝的手指及亚当的手指的力量单薄。
康定斯基是一位学识渊博的艺术家，早年曾在莫斯科大学攻读法学和政治学，也精通音乐，还系统钻研过西方现代哲学，尤其信奉通神学和通灵术这位斯文冷静而性格内向的俄国人，也是一位极度敏感的艺术家，能在那赤橙黄绿青蓝紫的五颜六色之中，看见音乐的节奏与旋律。他的理论影响着当今美术学院的学科设置，对于当代摄影的学习仍然具有启迪意义。
他的《论艺术里的精神》将艺术、绘画的发展引向了广泛而有序的空间，起源于三个因素：
1.作为创作者，每一位艺术家内心都有要表达的东西；
2.每一位艺术家童年的时候都有表达童心的愿望；
3.每一位服务于艺术的艺术家，必须从心理需求的视角为艺术的缘由奉献自己，不会做任何（形式上的）限制。艺术家表达需求时可以用任何形式，他的内部冲动必须找到恰当的外部形式。
摄影正是让大众从感知走向创作的工具，为人人都是影像生活家做足了准备并提供了可能性。
小米老师：
视觉传达的内容主要来自色彩和图形。现代视觉世界的起源，在德国和某
些先行者的推进下，带动了世界的发展和进步。但是因为早期的发起人多是传统的艺
术家、画家出身，他们的视觉主张的源头更多的来自传统的写实油画等。二战后，随
着工业与科技的快速发展，世界已经不满足于包豪斯建设的视觉体系，当代视觉的
贡献也从欧洲转移到美国和日本。所以，包豪斯学院的设计学科基础，推动了世界从
自然、手工为主的形态，逐步建立了新的视觉关系。但是在20世纪60年代后，从美国
再次掀起了新型的视觉关系（以波普艺术为首），改写了以欧洲视觉、艺术体系为主的
格局。也影响了远在东方的日本（日本率先改写了印刷行业的色彩体系）。所以，日本
不仅发展了摄影器材行业，也从工业社会上重新改写了世界的视觉关系，并对全世
界产生深刻的影响（这套色彩理论被称为CCS体系）。
学习摄影中的画面感，从三个方面探索
画面感的理解之一：把世界看作形态、线条、质地、明颜色、用光和立体空间的结合
摄影是我进入绘画的一种方式。亨利卡蒂埃-布列松
有着现代新闻摄影之父之称的亨利卡蒂埃-布列松，其拍摄的摄影画面轻松而幽默。他开创了决定性瞬间，被誉为人类喜剧的报道者。他的画面感有何特别之处呢？
布列松也说，我曾整日在街头寻找，随时准备记录生活中的点滴，将鲜活的生活记录下来。摄影和绘画一样的是对画面的选择过程，在你拍摄一幅画面的瞬间就有一个创作的过程。你的眼睛必须看到生活本身提供给你的表达，你也必须透过直觉来决定什么时候按动快门那就是摄影师进行创作的瞬间。
我们观看他的照片，总是不断地体验着惊鸿一瞥的瞬间之美，生动、流畅、朴实、珍贵。我们明白，那些电光石火般的生活场景在世间只存在一次，永不再现。他个人坚持图像形成于相机而不是暗房，他认为影像的更大魅力来自于影调之外的产生者，即拍摄者的眼睛。而几乎所有他的照片都是全幅放大并且从不使用任何暗房处理。
布列松说：摄影家的眼睛，永远都在评估、抉择出现在他眼前的事物。他只需移动1毫米的几分之一，便可以把线条吻合起来。他只需稍微屈膝，便可以将透视改变。把相机放置在离主体近一些或远一些，他便可以刻画出某一细节这细节，既可能相得益彰，也可能喧宾夺主。然而，对照片进行构图所需的时间，几乎是跟按动快门的时间一样短，因为两者同是条件反射而已。
晚年的布列松重操画笔，执机50年的布列松正式退出摄影界。原来，摄影只是他进入绘画的一种方式而已！毫无疑问，从摄影术诞生之初，摄影与美术的关系是亲密无间的。从高艺术流派到如今百花齐放的摄影圈，名家名作无不流淌着绘画与其他艺术门类的血液。所以，摄影艺术也理所当然地被归入艺术门类。
小米老师：
你观看的视角，决定了你构图的方式与你的画面。
1.每一个题材，不论它平淡还是宏伟，重大还是普通，都包含着独特的视觉美点。
当我们观察生活中的具体事物，如某一人、树、房或花的时候，应该撇开它们的一般特征，把它们看作形态、线条、质地、明暗、颜色、用光和立体物的结合体。
2.摄影者应该运用各种视觉构成的方法或手段，摄取生动、鲜明的画面，以表现出拍摄对象的形状、色彩、质感、立体感、动感和空间关系，使之符合每个观者眼中的独特视觉现象。
3.布列松不使用闪光灯的习惯，也是一名画家对画面的敏锐控制力的表现。他能预估在使用了闪光灯后生硬、尴尬的画面和现场。一个真正对艺术有敏锐洞察力的人，可以感知到任何在画面形成过程中的细节和表现方式，任何微小的丑陋、不真实等，都将使决定性瞬间毁灭。
本页的三幅影像是当代油画家汤南南老师的作品，不但有恰到好处的构图，其浓墨重彩的影调更强调、渲染了他的观看视角，这些作品来自旅游胜地厦门的一条小街巷沙坡尾，作为游客、摄影师，你们是否看见了这样的世界呢？
小米老师 ：
构图法则与构成主义关系，完全不同！
关于摄影构图，一般市面上的教材或摄影机构教授的是若干构图法则，但人们掌握这些构图法则后，拍摄出的画面反而不够生动了，或者大多人的画面会趋同。如何处理好画面构图呢？事实证明，不是所有的摄影创作都能由构图法则决定，也不会用决定性瞬间的一招而完成。
何谓构图？即把构思中典型化了的人或景物加以强调、突出，从而舍弃那些一般的、表面的、烦琐的、要的东西，并恰当地安排陪体，选择环境，使作品比现实生活更高、更强烈、更完善、更集中、更典型、更理想，以增强艺术效果。对摄影师来说，构图是截取自然界的三维形态，使用 二维形态来表现的过程，即把具象置于观者的抽象表现之中。因此，对于摄影人来说，要拥有一颗专注而不被打扰的心，以及对主题的热爱、专注和完整的连续选择过程。
出生于纽约的罗伯特梅普尔索普，原本在纽约布鲁克林的普拉特艺术学院学习雕塑与设计，但这个美术学生却不敌摄影的魅力，最终放弃原有的专业而从事摄影。罗伯特梅普尔索普于20世纪70年代初期开始出现在美国当代艺术现场，此时正逢摄影作为一种表现手段而受到重新评价之时，而他的摄影作品在后现代多元观念的映照下显得非常地投合时尚而大受艺术市场的欢迎。
画面感 的理解之二：用平面构成与形式之美驾驭画面
其三角形构图的女性人体摄影一改柔媚、甜美的摄影样式，为女性、人体摄影找到了新的方向。他影像作品中画面感的形成，不仅受到后现代主义时期艺术多元化风格的影响，也主动融合了设计中的构成等形式。
罗伯特梅普尔索普拍摄的花卉堪称经典，其画面简洁、明快而有力量。大片的黑暗背景衬托出被光线精心照亮的一朵绽放的马蹄莲，或者百合、罂粟，画面十分纯净。梅普尔索普既让观者看后感受到来自花卉的沉静冷艳、孤芳自赏，也能因为其和谐的影调而体验到被脆弱的理性约束的黑暗欲望。梅普尔索普拍摄的花卉将性爱欲望由直接陈述转换成了隐喻。其实无论形式如何，对于有力量、和谐、成功的画面来说，可以承载画面感的核心必是摄影主题和意义，即有超越形式之外的隐喻和初衷。
罗伯特梅普尔索普的摄影作品不仅在黑白摄影上做出了杰出的贡献，也为现代构成主义学科开拓了以摄影方式表现的途径，即一种在画布上的塑造感可以被带到空间的表现中去，然后以影像的方式再现出来[马列维奇的几何构想：《白方块上的白》 （1918年），蕴含着当时最纯粹的非客观表述。]
小米老师：
对构成学科的研究，也可以称之为画面形式的研究，并不是为了形式和语言本身，而是通过对形式语言的学习来更好地用形式去表达和选择。因为主观的选择或者是专属于观者自己的特别视角，使用了恰当的形式而表现出摄影师的情感、思想和感受。对于任何艺术作品来说，其精神内涵都比形式语言重要，但是恰当的形式选择会有助于其内涵的表达。
因此，需要掌握抽象语言的基本规律，学习用抽象语言倾诉、表达内心世界的情感。改变以往养成的被动照抄物像的习惯，建立起以自我、主观意向为核心的思维方式，是创作独立影像语言的开始。对于没有学基础的朋友们，可以从三个方面加强这些训练：首先，眼的训练，培养主观的观察方法以及对事物特征的把握能力；其次，手的训练，通过大量的拍摄和手绘临摹作业，培养对形式记忆的掌握能力，以及对视觉信息的传达能力；最后，培养对自然性事物的分析以及理性思维的思辨能力。
小米老师 ：
如何看到比一般人更多或不同，是艺术家型的摄影师必备的素养和进行创作的出发点。
学院课堂要求，以自我为观察对象或者以身边最熟悉的场景为对象，进行近距离观察、解析，进行某一局
部的观察、解析和形式研究、表达。
通过对熟悉的场景、熟悉的人的形式练习，逐渐弃除自然而然的被动描摹或啰唆、乏味、无感情的再现，
不断练习主观地组织画面、处理画面，逐渐发现自己的表达方式和语言，从而可以有内在秩序地表达世界。
画面感 的理解之三：用色彩构筑熟悉而陌生的影像世界
色彩与形式的和谐，从严格意义上说必须以触及人类灵魂的原则为唯一基础。瓦西里康定斯基
康定斯基认为自己具有视界知觉的能力，他可以十分清晰地听见色彩。这一效果对他的艺术观察产生了主要影响。他甚至把他的绘画命名为即兴和结构，仿佛它们不是绘画而是音乐作品。
盖伯丁是20世纪最具影响力的时尚摄影师，他为影像领域做出了具有转折意义的贡献，其影响至今不衰，被认为是20世纪视觉文化领域最大胆、最有创新精神的艺术家之一，在艺术、时尚、广告和生活等多个方面都有着独特视点和非凡的成就。他将幻想、欲望、消费与期望大胆地夸大并予以凸显，用鲜艳夺目的色彩、独特的造型、恰到好处的光线，展示了美国的商业文化。
盖伯丁是一个充满了幻想和自由想象力的人，他通过对隐喻和现实矛盾的运用，与生命和死亡进行了一场崇高而非理性的本质对话。在画面处理中，活用了色彩构成技巧，使不同明度、纯度、色相的关系，通过不羁的色彩关系，演绎了后现代主义风格的摄影作品。他的画面不能被简单地归类为人像、环境摄影。
盖伯丁最初形成自己的风格是在二战之后的法国。当时的法国禁令森严、审查严格，保守的社会气氛大行其道。当时的他对曼雷在影像上的变化，对画家玛格丽特等人的超现实主义风格十分痴迷，所以，他聪明地获取了超现实主义元素，利用对比、夸张的视觉构成关系，以及自己渊博的文化知识，编造了一幅幅美丽的影像，也为后来时尚摄影的进一步发展起了推波助澜的作用。
他的摄影作品扩展了当时时尚摄影构成元素的界限，今天对时尚摄影仍然产生着激励和影响。他在视觉影像上的开拓，也助推和呼应了美国波普文化的发展，为视觉文化的发展和改变做出了贡献。
小米老师：
在华丽的视觉冲击中赏析盖伯丁的作品，他镜头下的一幅幅视觉大片，深
深地影响了美国的大卫拉沙佩勒、安妮莱博维茨等著名时尚摄影师。让我们观看他的视觉神话，走进现代色彩之美的篇章。
1.在色彩构成中，纯度对比是决定色调感觉华丽、高雅、古朴、粗俗、含蓄与否的关键。
2.色彩对比与面积的大小也有关系，大面积色稳定性较高，在对比中，对其他颜色的错视影响大；相反，受其他颜色的错视影响小。
3.在摄影中开创视错觉的表现方式，把司空见惯的美女场景创作出与众不同的生理和心理的矛盾景观。色彩视错觉更是可利用这种表现方式，在广告中表现出所想要的视觉效果，从而达到更好的信息传达。
特别提示：色彩构成知识
各种色彩都有其独特的性格，简称色性。它们与人类的色彩生理、心理体
验相联系，从而使客观存在的色彩仿佛有了复杂的性格。
1.红色：穿透力强，感知度高，易使人联想起太阳、火焰、热血、花卉等，给人带来温暖、兴奋、活泼、热情、积极、希望、忠诚、健康、充实、饱满、幸福等向上的感觉和倾向。
2.绿色：在大自然中，除了天空和江河、海洋，绿色所占的面积最大，草、树等绿叶植物几乎到处可见，它象征着生命、青春、和平、安详、新鲜等。
3.紫色：具有神秘、高贵、优美、庄重、奢华等气质，有时也有孤寂、消极的寓意。尤其是较暗或含深灰的紫色，易给人以不祥、腐朽、死亡的印象。但含浅灰的红紫或蓝紫色，却有着类似太空、宇宙色彩的幽雅、神秘之时代感，为现代生活所广泛采用。
安妮莱博维茨，从不认为自己是一名摄影师，她认为自己只是个将摄影作为媒介的艺术家。
安妮莱博维茨，美国著名女摄影师，《名利场》杂志的御用大牌，是世界上报酬最高的摄影师之一，被评论家们称为摄影师中的左拉。
她以其独特的人像摄影风格闻名于世。她是第一个在著名的美国史密森学会的国家画廊举办影展的女摄影家。这位成日混在名利场和时尚圈中的女摄影师，从不化妆，不修边幅，却以一张张摄人心魄的肖像照片赢得了行业内的地位和认同。安妮莱博维茨并不喜欢拍摄人们面露微笑的照片。在她所有的肖像作品中，你几乎很难找到一张笑着的肖像照。我家人拍照时总是喜欢微笑。我就是觉得有点假。我拍摄我母亲时，她没笑。她觉得照片中没笑的她看起来老气，不太像她。但是在展览上，好多人围着她要签名时，她又觉得她喜欢那张照片。（摘自百度）
小米老师：
安妮莱博维茨是摄影界中的一匹骏马，毫不花哨地从纪实报道走向时尚、艺术丛林。她也曾和著名的现代文化学者苏珊桑塔格演绎过半生的摄影探戈。莱博维茨摄影作品的精彩，是精致的影像感与古典油画般的画面感的完美融合。所以她的人物、时尚作品，基本没有过分夸张、戏谑的手法，却有着朴素、经典
的西方油画的影子。学习莱博维茨，更要学习其精神和对西方经典油画的深刻理解和领会。
摄影中的画面感之于摄影师、画家、设计师等是同而不同的。上过美术学院或受过一些绘画训练的朋
友，可以轻松意会画面感。但要创作出一幅美丽的画面却要受制于个人的情况，画布、笔墨纸砚等客观情况；而一个设计师要设计出客户和自己都满意的作品，需要丰富的经验和大量画面感的转化训练。摄影是众多艺术门类里最平民化的媒介之一，对于摄影艺术家来说，只要心中有画面感，尤其是视觉性的大片拍摄，需要一个团队来配合，只要摄影师头脑中装满画面感，在拍摄过程中起到导演的作用，甚至不用亲自按下快门也能完成拍摄。因此，拥有画面感的眼睛对于想要学摄影的朋友来说，仿佛长了一双可以随时展翅高飞的翅膀。
也许，绘摄影时代的摄影家，都是以摄影为媒介的画家、艺术家？大卫 拉沙佩勒出生于美国北卡罗莱纳州，是当代最耀眼的视觉摄影师之一，他的摄影生涯始于为《采访》杂志创作的美术作品。他把色彩运用到了极致，并找到了颇具他个人风格的颜色。拉沙佩勒给全世界的各种杂志带了强烈的色彩，堪称世界摄影界最耀眼的明星之一。他为很多知名品牌建立了良好形象，并带来广告效益，是位多能的艺术家，除了画廊和杂志，我们还经常能在CD封面、MTV和各种各样的广告中看到他风格鲜明的作品。
小米老师：
康定斯基曾写道：色彩是琴键，眼睛是锤子，而心灵则是钢琴的琴弦。那么摄影师眼中的色彩世界当是：色彩是琴键，透过相机的眼睛是锤子，而心灵则是钢琴的琴弦这样的色彩世界怎么能不动人？
小米老师 ：
色彩、影像风格的发展，源于工业化大发展的时代和世界趋势，这样的视觉造像时代也影响了无数后继者的影像风格从前，这样的大片制造只能是天价的明星、奢侈品等御用，在自媒体时代，这样的精神其实也悄悄地浸润于各个角落和现代人的眼中、心中
大卫霍克尼是当代英国最有创造力和影响力的艺术家，在当代西方艺术世界里是十分重要的人物。他在绘画、摄影、照片拼贴、舞台设计等艺术领域都有所尝试，也正是这种跨域的尝试让他的绘画具有了一种独到的视觉趣味和多角度解读的可能。
在近30年的摄影艺术生涯中，霍克尼矢志不渝地坚持探索相机多样的工作方式和摄影作品的多种表现形式。他的摄影拼贴作品让人眼前一亮，似乎创造了一个全新的奇妙的世界，这一独特的形式被人们称为霍克尼式拼贴（下图）
小米老师 ： 084
当现代构成学科在世界的每个角落开花的时候，解构与深度思考紧随其后，率先出现在一些先驱者、探索性工作者身上但所有的探索与尝试，都是文化艺术的进步成果，也为当今摄影的学习、思考提供了更多的触角和可能性。
上面讲述了这个时代的影像学习认知，即以绘的能力做摄影！
如果说影像在一百多年来走过了绘画的古典主义时期，又经历了现当代艺术的各种潮流融合与发展，需要重新回到对自然形态的考究，以及对忠实、精确的光影运用，那么吸收大美术时代的素养，把聚焦于镜头下的客体重新引入画面，进行考究与锤炼， 即是这个时代摄影学习的要求。
1949年，《生活》杂志著名摄影师和技术天才焦恩迈利在法国南部拜访了毕加索，随后刊登了一组由绘画大师巴勃罗毕加索创作的光绘摄影作品。迈利向毕加索展示了一些照片，上面是滑冰者穿着闪光的冰鞋在黑暗中做出各种跳跃动作，由此激发了毕加索的光绘灵感。下面这一组著名的毕加索光绘作品，是用手电或光笔在暗室中创作的。据说这组照片曾在拍摄完成之后就不翼而飞了。
一提到大画家毕加索，大家可能就想起那些错位了的眼睛、鼻子和古怪强烈的色彩，西班牙摄影师欧亨尼奥雷昆科正是以此为题材，将原作里那些超前卫的分解、重组与夸张重新演绎，透过他个人对于毕加索画作的理解进行了转化（对页上图）。
小米老师：
要进一步深入理解画面感，对于康定斯基的理解和学习是必不可少的，而且应该是持续和反复的。他的著作《论艺术的精神》是把艺术的主观性予以理论化的第一部著作，也是康定斯基最具影响的专题论文。他指出，纯粹的颜色、线条和形状足以表达一种思想，它们是能唤起感情的独立的视觉语言。
课后作业 ： 086
1.寻找你喜欢的作品的画面感，分析其道理。
2.分析你的作品中的画面感。
3.思考今后该如何提升作品中的影像感和画面感。
提示：
画面感的提升，需要学习、了解现当代东西方艺术的发展、递进规律，其内容虽然庞杂，但是你很快就会发现其实这个视界一直在你的左右，好似空气、养分一样，只是视而不见。思考了，理解了，转换了，实践了，你也可以一样棒！
所以在本书的第三部分，我列举了平凡中的你我他，一样可以是自己的影像生活家！
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